موسیقی و زندگی

نگاهی عمیق به سرگذشت آهنگساز و خواننده بزرگ (جان لنون)

metroyeshab — Wed, 07 Oct 2009 22:33:18 GMT

جان وینستون لنون» نهم اکتبر 1940 در لیورپول انگلیس به دنیا آمد. در دوران دبیرستان گیتار می‌زد که با «پل مک کارتنی» آشنا شد. آن ها در همان زمان به همراه «استیوارت ساتکلیف» (بیسیست) و یک درامر گروهی را تشکیل دادند به نام Quarry Men. با خروج ساتکلیف از گروه، مک کارتنی (که تا آن زمان گیتار می‌زد) به سمت گیتارباس شیفت کرد و با اضافه شدن «جورج هریسون» (گیتاریست) و «رینگو استار» (درامر)، گروه شکل کامل به خود گرفت و به Beatles تغییر نام داد.
بیتلز به سرعت رشد کرد و از اندازه‌های شهر و کشورش بزرگ تر شد. آن ها کم‌کم در سراسر انگلستان و سپس اروپا مشهور شدند. بیتل‌ها در کوتاه زمانی به اولین و بزرگترین Boy Band زمان خود بدل شده و پس از آن ها بوی بندها یکی پس از دیگری زیاد شدند؛ که از میان آن ها می‌توان «رولینگ استونز» را نام برد. با این تفاوت که استون‌ها به Bad Boys مشهور شدند و بیتل‌ها به Good Boys!
آغاز جهانی شدن بیتلز را باید از زمان ورود آن ها به مرزهای ایالات متحده دانست که در ادامه به موجی منتهی شد که بعدها British Invasion نام گرفت: حمله فرهنگی انگلیسی‌ها به آمریکا و تصرف آن! این موج با باز شدن پای دیگر گروه‌های انگلیسی به آمریکا شدت گرفت، تا اینکه در اواخر دهه 60 با ظهور هنرمندانی چون: جیم موریسون، جنیس جاپلین و... در آمریکا تا حدی خنثی شد.

موسیقی بیتلز و جان لنون را می‌توان به دوره‌های مختلف تقسیم‌بندی کرد: دوره اول، سال‌های آغازین شهرت بیتلز با موسیقی و اشعار جوان و سرخوشانه با مضامین عاشقانه. آن ها در این دوران درگیر حاشیه‌های شهرت (جنس مخالف، مواد مخدر و...) می‌شوند.
دوره دوم، سال‌های پایانی حیات بیتلز است. آن ها بزرگتر شده‌اند، ازدواج کرده‌اند و پخته‌تر از قبل به نظر می‌رسند. همین پختگی و بلوغ در اشعار و موسیقی آن ها هم نمود پیدا می‌کند. آهنگ‌های این دوره بیشتر اجتماعی شده‌اند و جان و پل دیگر آن جوان‌های سرخوش سابق نیستند و Love Songها جای خود را به مضامین انسانی و اجتماعی‌تر داده‌اند. دوره سوم موسیقی جان لنون، روزهای جدایی از بیتلز است که بهتر است آن را «دوره جان و یوکو» بنامیم. در این دوران لنون بیشتر یک فعال و لیدر سیاسی است تا خواننده راک؛ کسی که می‌تواند هزاران نفر را علیه جنگ ویتنام به خیابان‌ها بکشاند، تا حدی که دولت آمریکا و CIA از حضور او احساس خطر کرده و به فکر از سر راه برداشتن او بیفتند.

جان لنون در سال 1962 با «سینتیا پاول» ازدواج کرد و در همان سال اولین پسرش به نام «جولیان» به دنیا آمد. هفت سال بعد این دو از هم جدا شدند و در سال 69 لنون با «یوکو اونو»ی ژاپنی ازدواج کرد.
اونو در مقدمه آلبوم Once Upon A Time درباره چگونگی انتخابش توسط لنون می‌نویسد: «از اینکه جان بخواهد در میان هزاران دختر جوان و زیبایی که دور و برش بودند، یک آسیایی را که از او بزرگتر است انتخاب کند، سخت شگفت‌زده بودم. هرگز چنین چیزی در باورم نمی‌گنجید...»
اما لنون یوکو را انتخاب کرد، چون در او چیزی می‌دید که در هزاران دختر زیبای دور و برش - به قول یوکو- نمی‌دید و صحت این انتخاب زمانی مشخص شد که ردپای اونو در بلوغ فکری و جهش هنری لنون به وضوح دیده شد. ماجرای ازدواج جان و یوکو نیز ماجرای پرسروصدایی است. آن ها برای ماه عسل به هتلی در پاریس رفتند و به نشانه اعتراض به جنگ در سراسر دنیا، یک هفته اعتصاب کردند و از تختخواب خارج نشدند. آن ها تابلوی بزرگی با عنوان Bed Peace را بالای سر خود نصب کرده بودند و در این مدت خبرنگاران زیادی عکس‌ها و گزارش‌های مفصلی از اعتراضات این دو در ماه عسل منتشر کردند.(3)
«شون» (متولد 1975) حاصل این ازدواج عجیب بود.

سال‌های میانی دهه شصت همزمان شد با اوج‌گیری اعتراضات علیه جنگ در سراسر دنیا، به‌ویژه جنگ ویتنام. «هیپی‌ایسم» در آمریکا فراگیر شده بود. هیپی‌ها - که تعدادشان روز به روز زیادتر می‌شد- در کنار دیگران یک لحظه از مخالفت با جنگ دست نمی‌کشیدند. آن ها علیرغم ظاهر و رفتار بعضاً ابلهانه‌شان تلاش زیادی در جلوگیری از جنگ و رواج صلح در جهان کردند. دولت آمریکا نیز سعی در خاموش کردن آن ها به هر شکل ممکن داشت. هیپی‌گرایی به عناوین مختلفی از جمله Flower Revolution (انقلاب گل‌منگلی، به خاطر لباس‌های هیپی‌ها!) تحقیر می‌شد، اما هیچ یک از این ها نمی‌توانست از موج رو به گسترش تظاهرات علیه جنگ بکاهد.
تا اینکه همانند بسیاری دیگر از نقاط دنیا، دولت آمریکا راه‌حل خاموش کردن صدای هیپی‌ها را در متلاشی کردن آن ها از درون دید و مواد مخدر را به وفور در میان این گروه ها رواج داد. «باب دیلن» در آهنگ Rainy Day Woman No.12 & 35 از کسانی می‌گوید که هر جا (در خیابان، در راه خانه، سر میز صبحانه و...) به جوانان مواد مخدر می‌دهند:
They'll stone ya when yor're trying to be so good.
در همین زمان فستیوال عظیم «وودستاک» (سال 1969) رخ داد. کنسرت کوچکی که به یک جریان بزرگ در سیاست و موسیقی تبدیل شد: «سه روز عشق و صلح». وودستاک اگرچه به یکی از بزرگترین فعالیت‌های هیپی‌ها بدل شد، اما در واقع آخرین نفس‌های هیپی‌گرایی بود. چراکه با گرایش بی‌رویه آن ها به مخدرات، فکری و جانی برای مبارزه با جنگ در هیپی ها باقی نماند!

جان لنون سردمدار هنرمندان در راه بیداری مردم، مبارزه علیه جنگ ویتنام و گسترش صلح در دنیا شد. اغراق نیست اگر بگوییم بخش عمده‌ای از تظاهرات و فعالیت‌های ضدجنگ تحت تأثیر محبوبیت‌ خارق‌العاده لنون و تلاش‌اش در این راه بود. البته در کنار او نباید فعالیت‌های دیگران را نادیده گرفت؛ هنرمندانی نظیر: باب دیلن، جون بائز، باب مارلی، جیمی هندریکس، جنیس جاپلین، جیم موریسون، پل مک کارتنی، نیل یانگ، پی جی هاروی و... در این مورد، اجرای سرود ملی آمریکا توسط جیمی هندریکس یک نمونه گویاست. هندریکس سرود ملی آمریکا را با گیتارش می‌نوازد و از آن صدای توپ و تانک و تفنگ شنیده می‌شود!
کم نیستند کسانی که دلیل ترور جان لنون در هشتم دسامبر 1980 را در پی همین فعالیت‌ها و توقف جنگ ویتنام می‌دانند. همان کسانی که اعتقاد دارند کندی - رئیس‌جمهور وقت ایالات متحده و از مخالفان سرسخت جنگ ویتنام- نیز توسط عوامل CIA ترور شد تا یکی از موانع بزرگ از سر راه آغاز جنگ برداشته شود. کیست که نداند دولت آمریکا از جنگ ویتنام چه سودها که نمی‌برد؟ چه کسی است که بخواهد انکار کند تجارت اسلحه یک بیزینس پرمنفعت در آمریکاست؟!
«مارک دیوید چپمن» - قاتل لنون- هم می‌تواند یکی از عوامل خودی باشد. نه آنطور که گفته می‌شود «کسی که عاشق جان لنون بوده و ناگهان ندایی در سرش می‌گوید باید او را بکشی!»

«دیوید گیلمور» در آخرین مصاحبه خود بار دیگر از عشق و علاقه اعضای «پینک فلوید» به «بیتلز» سخن گفته بود و اینکه: «اگر بیتلز نبود پینک فلویدی هم به وجود نمی‌آمد.» گیلمور و سایر پینک‌فلویدی‌ها بدون توجه به اینکه خود یکی از بزرگترین و تاثیرگذارترین گروه‌های تاریخ موسیقی دنیا هستند، بارها و بارها از تاثیرپذیری خود از Fab four (لقب بیتل‌ها) سخن گفته‌اند.
آن ها نیز خود با الگوبرداری از «الویس پریسلی» و سایر بزرگان راک‌اندرول دهه 50 و اوایل دهه 60 میلادی وارد دنیای موسیقی شده‌اند. همانطور که پینک فلوید پس از آن خود منبع الهام و الگوبرداری ده‌ها گروه دیگر شد. دیوید گیلمور در آن مصاحبه حتی یکی از بزرگترین افتخارات زندگی خود را روزی می‌دانست که به سر تمرین بیتل‌ها رفته بوده است: «از اینکه آن ها لطف کردند و من را به تمرین خود راه دادند، همیشه سپاسگزارشان خواهم بود!»

در زبان انگلیسی دو واژه وجود دارد که در فارسی به یک شکل ترجمه می‌شوند، اما تفاوت‌های زیادی با هم دارند: یکی Classical Music یا همان موسیقی کلاسیک که با امثال باخ، بتهوون و... می‌شناسیم و دیگری Classic Music؛ یعنی موسیقی ای که پس از گذشت سال‌ها جاودانه مانده. نظیر این اصطلاح را در ادبیات و سینما و سایر هنرها نیز به کار می‌برند.
نمونه‌های زیادی از موسیقی کلاسیک می‌توان برشمرد که کلاسیکال نیستند: موسیقی‌های کلاسیک راک دهه 60 و 70، امثال بیتلز، پینک فلوید، الویس، کت استیونس، باب دیلن، دیپ پرپل، بلک سبت، چاک بری و... که پس از گذشت چندین دهه همچنان پرفروش و بحث‌برانگیزند.
موسیقی جان لنون نمونه کامل یک موسیقی کلاسیک است. کسی که پس از گذشت 27 سال از مرگش همچنان آنقدر تازگی خود را حفظ کرده که حتی جوانانی که چند سال پس از مرگ لنون به دنیا آمده‌اند نیز سراغ آلبوم‌هایش را می‌گیرند و آن را به یکدیگر توصیه می‌کنند. جان لنون در میان خوانندگان فقید، پس از الویس پریسلی دومین خواننده‌ای است که آثارش پرفروش‌تر از دیگران است و رمز این موفقیت را پیش و بیش از صدا و ملودی‌ها و موسیقی او، باید در افکار و اشعارش جست‌وجو کرد.

تصور کن بی شک مشهورترین ترانه لنون است او این ترانه را پس از جدایی از گروه بیتل و در سال هفتاد و یک به کمک همسرش- یو کو هو نو- نوشت از جمله عوامل الهام بخش به این ترانه می توان به جنگ دوم و هم چنین اثر پذیری یوکوهونو از حادثه بمباران اتمی دو شهر ژاپن در آگوست چهل و پنج نام برد. در همان سال آنها ترانه را در یک اجرا در قالب آلبومی که دومین آلبوم پس از جدایی از بیتل ها انگاشته می شد با همین نام بیرون داد.

این ترانه آرمان شهریست که لنون به ما می شناساند.به گفته ی خود آقای لنون : این ترانه ترانه ‌ای ضد مهین‌پرستی، ضد رسم و رسوم عرفی و ضد سرمایه ‌داری ست که به دلیل ظاهر زیبا و غلط ‌اندازش پذیرفته و محبوب شده است . شاید کم تر ترانه ای را بتوان یافت که متن آن برای مخاطب از هر جای دنیا تا این اندازه ملموس و قابل درک باشد

در این ترانه لنون از ما می‌خواهد که تصویری آرمانگرایانه ‌ای را در ذهن تصور کنیم که در آن هیچ کشوری وجود ندارد، تملک وجود ندارد وچیزی ارزش کشتن و مردن برایش را ندارد. افراد در این جهان آرمانی به صلح و صفا زندگی می‌گذراند و در همه دنیا با هم سهیم‌اند البته شک در مورد رخ دادن چنین توصیفاتی در خود ترانه نیز ابراز می‌شود

در ویدیوی این ترانه جان لنون و همسرش - یو کو هو نو- به طور کاملا نمادین در مسیری جنگلی و از میان درختان بزرگ وارد خانه ای که کاملا دیوار و در های آن سفید رنگ است می شوند که این خانه پنجرهای زیادی دارد ولی به سبب پرده ها نوری وارد خانه نمی شود همزمان که یوکوهونو پرده ها را کنار میزند و خانه ی سفید رنگ یکپارچه نور می شود جان لنون هم پشت پیانو ی مشهور سفیدرنگش که نماد صلح است قرار می گیرد و شروع به نواختن می کند

پس از خواندن متن این ترانه نا خود آگاه به یاد ترانه" تصور کن"سیاوش قمیشی می افتید که متاسفانه قسمتی از ترانه توسط آقای قمیشی حذف شده بی آنکه نامی از جان لنون برده شود این در حالی ست که آقای قمیشی چه در سبک ظاهر و لباس پوشیدن و چه در سبک ترانه و آهنگ سازی مقللد مستقیم جان لنون است

متن ترانه و برگردان آن به فارسی

Imagine There’s No Heaven
It’s Easy If You Try
No Hell Below Us
Above Us Only Sky
Imagine All The People
Living For Today

Imagine There’s No Countries
It Isn’t Hard To Do
Nothing To Kill Or Die For
And No Religion Too
Imagine All The People
Living Life In Peace

You May Say That I’m A Dreamer
But I’m Not The Only One
I Hope Someday You’ll Join Us
And The World Will Be As One

Imagine No Possessions
I Wonder If You Can
No Need For Greed Or Hunger
A Brotherhood Of Man
Imagine All The People
Sharing All The World

You May Say That I’m A Dreamer
But I’m Not The Only One
I Hope Someday You’ll Join Us
And The World Will Live As One

تصور کن که بهشتی نبود راحته اگر که بخوای سعی کنی ( تصور کنی ) جهنم بر ما غرش نمی کرد آسمان فقط بالای سر ما بود تصور کن که همه مردم برای امروز زندگی می کردند

تصور کن که اینجا کشوری ( حد و مرزی ) وجود نداشت تصور کردن این سخت نیست هیچ چیز برای کشتن یا مردن برای آن وجود نداشت ***تصور کن که همه مردم زندگی خود را در آرامش و صلح می گذراندند

ممکن است که بگویی من یک خیال پرداز هستم اما فقط من یکی اینگونه نیستم امیدوارم که روزی شما هم به ما ملحق شوید و دنیای ما یکی بشود

تصور کن که حق مالکیتی وجود نداشت برای من حیرت انگیز است اگر تو بتوانی ( تصور کنی ) احتیاجی به طمع ورزیدن و اشتیاق داشتن نبود فقط احساس برادری تصور کن که همه مردم تمام دنیا را بین یکدیگر به اشتراک می گذاشتند و دنیا را با هم تقسیم می کردند
ممکن است که تو بگویی من یک خیالباف هستم اما فقط من یکی اینگونه نیستم امیدوارم که روزی شما هم به ما ملحق شوید و دنیای ما یکی بشود.

لازم به ذکر است شاعر توانای کشورمان (یغما گلرویی) با الهام از شعر جان لنون تصور کن دیگری را با همان مضمون به زبان فارسی سرود و آهنگساز پر آوازه کشورمان سیاوش قمیشی آهنگی به یاد ماندنی برایش ساخت که دوباره جان لنون و اهدافش را در ذهن ما تداعی کرد.

بیوگرافی کیتارو و نمونه ای از موسیقی نیو ایج

metroyeshab — Sun, 13 Sep 2009 13:42:18 GMT

سلام و ۱۰۰ سلام خدمت همهء شما عزیزان همون طور که تو پست قبلی عرض کرده بودم قرار بود وقتی برگشتم با وب سایت رسمی و کلی........ چیزای دیگه برگردم.اما این کارم به درازا کشید یعنی فعلا" مشغولم این ۲ـ۳ روز که یکم سرم آروم تر شده بود گفتم یه سری هم اینجا بزنم ببینم چه خبراس خلاصه...... من تا کارم درست بشه گاهی اوقات که سرم خلوت بود یه چیزایی مثل قبلا براتون مینویسم فعلا" اینو داشته باشین که من عاشق این مرد بزرگ هستم

كيتارو در سال ۱۹۵۳ با نام واقعى «ماسانورى تاكاهاشى» در ژاپن به دنيا آمد. پدر و مادر او مانند اغلب ژاپنى ها پيرو آئين شينتو، مذهب ارواح پرستى بودند. كيتارو در دبيرستان به موسيقى سل(موسيقى مذهبى سياه پوستان)، ريتم و بلوز علاقه مند شد.
او پس از فراگيرى نواختن گيتار الكترونيك، با گروه خود به نام «آلباتراس» (نوعى مرغابى بزرگ دريايى)، شروع به برگزارى برنامه هايى در مهمانى ها و كلوب ها كرد. نام كيتارو كه يك شخصيت كارتونى تلويزيونى بود در همين زمان از سوى دوستانش بر وى نهاده شد. بزرگترين اثر وى در اين زمان اُتيس و ردينگ بود. كيتارو خود در مورد اين اثر مى گويد: «موسيقى من احساسى از تعمق و مهربانى را در مخاطب بر مى انگيزد و در واقع موسيقى من نه ريتم است و نه بلوز اما مخاطب احساسى مشابه احساس موسيقى سُل را در خود احساس مى كند.»
در اوايل دهه هفتاد او به طور كلى تغيير رويه داد و كار با كيبورد را آغاز كرد. او به گروه «فار ايست فَميلى» پيوست و با آنها گذار به دور جهان را آغاز كرد. در اين مسافرت ها، كيتارو با «كلاوس شولز»، نوازنده سينتى سايزر و بنيانگذار گروه «تنجرين دريم» آشنا شد. شولز براى گروه دو آلبوم توليد كرد و كيتارو كلاس فشرده اى را نزد وى به فراگيرى سينتى سايزر گذراند.
كيتارو در مورد اين تغيير مسير به سمت فراگيرى سينتى سايزر مى گويد: «من با سينتى سايزر مى توانم يك اقيانوس خلق كنم، يك كناره زمستانى، يك ساحل تابستانى و يك منظره كامل را بيافرينم.»
او پس از بازگشت به ژاپن در سال ۱۹۷۷ كار تكنوازى خود را آغاز كرد. دو آلبوم اوليه او با نام هاى «تن كاى» و از داستان ماه كامل «به نوعى جنون و هوس، آئين و كيش» براى جنبش در حال تولد موسيقى «نيو ايج» تبديل شد. اما اين آلبوم «جاده ابريشم» كيتارو بود كه توجه جهانيان را به سوى او جلب كرد. جاده ابريشم، موسيقى اى بود كه براى يك مستند ژاپنى كه به مدت پنج سال در تلويزيون به نمايش در مى آمد، ساخته شده بود.
آلبوم جاده ابريشم او در سال ۱۹۸۶ با استقبالى جهانى روبه رو شد و در پى اين استقبال، كيتارو در سال ۱۹۸۷ با همكارى موسيقيدان هاى مختلفى مانند «ميكى هارت» و «جان اندرسون» توانست آلبوم هايى مانند« نور روح» را به بازار عرضه كند و بالغ بر ده ميليون كاست به فروش رسيد. اين آلبوم به عنوان بهترين اثر نيو ايج معرفى شد.
در همين سال بود كه وى آلبوم هاى قديمى خود را هم بازتكثير و توزيع كرد اما اين بار در سطحى جهانى و تور خود به آمريكا را شروع كرد و توانست با اجراى اولين تور زنده خود تنها در آمريكاى شمالى دو ميليون آلبوم به فروش برساند.
او در سال بعد توانست با خلق موسيقى فيلم «بهشت و زمين» شهرتى دوباره كسب كند و برنده جايزه بالاترين امتياز در سال ۱۹۹۴ شود. اما اوج موفقيت او در عرصه موسيقى، دريافت جايزه سال ۲۰۰۱ براى آلبوم «در فكر تو» بود.
كيتارو يك ستاره است اما بسيار فروتن. او مى گويد: «طبيعت به من الهام مى كند. من تنها يك پيغام بر هستم. براى من برخى آهنگ ها مانند ابرها هستند و برخى مانند آب.»
كيتارو هر ساله براى تكريم و احترام به «مادر زمين» كنسرتى در كوه فوجى يا در نزديكى خانه اش در كلرادو برگزار مى كند. در يكى از اين برنامه ها كيتارو، در شبى ماه تمام در آگوست از غروب تا سپيده دم بر چليك مى كوبد و در حالى كه دستانش آغشته به خون شده بود همچنان به كوبيدن ادامه مى دهد.
از سال ۱۹۸۳ تا ۱۹۹۰ او با همسر اولش با نام يوكى زندگى مى كرد اما آنها به علت اينكه كيتارو اغلب اوقات در آمريكا كار مى كرد و همسرش در ژاپن، از هم جدا شدند. در نيمه هاى دهه نود او با زنى با نام «كيكو ماتسوبارا » كه هم اكنون در اغلب آلبوم هايش در كنار او مى نوازد، ازدواج كرد.
هم اكنون او در شهر «وارد» در خارج از كلرادو در مكانى به وسعت هفتاد و دو هزار مترمربع و در خانه اى به مساحت ۲۳۲ متر مربع، جايى كه كنسرت هاى آخر خود را در آنجا برگزار كرد، زندگى مى كند.

metroyeshab — Wed, 26 Aug 2009 13:02:18 GMT

سلام دوستای گلم مدتی بود که نبودم و مدتی هم نخواهم بود راستش یه کارایی میکنم که فعلا" سکرته اگه بیام دست پر میام و با وب سایت رسمی پس منتظر باشید. از همه کسانی هم که در نبود من پیام گذاشته بودن و سراغ خودم و کارام رو میگرفتن تشکر می کنم

من

metroyeshab — Sat, 01 Aug 2009 10:19:13 GMT

سلام خدمت همه شما بچه های گل آقا اینم عکس خودم کشتین منو تریپ گیتاریستهارو خوب اومدم ؟البته کیفیت عکس یکم پایینه چون با عجله شد ولی بازم از هیچی بهتره نظر ندید نامردید خوش تیپم یا نه؟

در سوگ عبدی یمینی

metroyeshab — Sat, 18 Jul 2009 11:16:18 GMT

امان از شعله آخر

هجوم باد و خاکستر

که از پروانه ی پرپر

اجاق شب نشد روشن

دیگر تلخ تر از این نمی شد . در روزهای تلخ و گس واره.

خبر کوتاه بود.

در سقوط پروازتهران – ایروان هواپیمایی کاسپین که منجر به کشته شدن 169 نفر از هموطنانمان شد عبدی یمینی آهنگساز و تنظیم کننده شهیر میهنمان نیز یکی از مسافران پرواز بوده و متاسفانه در این حادثه جان باخت.

عبدالرضا یمینی مشهور به عبدی یمینی در سال 1332 در تهران به دنیا آمد.پس از به پایان رساندن تحصیلات مقدماتی موسیقی خود در soutbend college انگلستان ، تحصیلات عالی موسیقی را در دانشگاه university of surrey انگلیس ادامه داده و در سال 1983 با اخذ درجه فوق لیسانس فارغ التحصیل گردید.

عبدی یمینی در دهه 80 میلادی به عنوان رهبر ارکستر داریوش ونوازنده کیبورد آن گروه و با حضور نوازندگانی چون آرمیک ، band بی نظیری را گردهم جمع کرده بود. البته حضور عبدی منحصر به نوازندگی برای داریوش نشد بلکه در ارکستر هایده و معین نیز حضور چشم گیری داشت به شکلی که در آخرین شب برنامه هایده او نیز حضور داشت.

عبدی یمینی اما در وهله نخست یک تنظیم کننده خارق العاده بود . تنظیم کننده ای که اگر به آثارش اشاره کنم به قدرت تنظیم آن آثار و ساختارشکنی او در دهه 80 میلادی پی خواهید برد.نخستین تنظیم جدی عبدی یمینی تنظیم ملودی« دلبر» فرید زولاند بود که با صدای ابی منتشر شد ( تو ای بال و پر من رفیق سفر من ...)

اما شاید جاودانه ترین کار عبدی یمینی آهنگسازی و تنظیم آلبوم امان از با صدای داریوش اقبالی باشد که در سال 1992 ( 1371 ) منتشر شد.

البته به اعتقاد من زیباترین ملودی عبدی یمینی ملودی به بچه هامون چی بگیم با کلام اردلان سرفراز و صدای داریوش اقبالی است. تنظیم شاهکار عبدی در این کار و استفاده از ساز گیتار برای همخوانی کلام و ملودی بی نظیر است.

از همکاری های عبدی یمینی به عنوان آهنگساز و تنظیم کننده می توان به همکاری با داریوش ، ابی ، معین ، منصور ، هاتف ، شهیار قنبری نام برد. یکی از آخرین کارهای شنیده شده عبدی تنظیم آهنگ سفیر با صدای هاتف بود.عبدی یمینی در اواخر دهه 90 به ایران بازگشت و به همکاری با خوانندگان جوان داخل میهن از جمله محمدخاکپور فعالیتش را ادامه داد.

آثار عبدی یمینی :

داریوش : ملودی و تنظیم کل آلبوم امان از ( اشعار شهیار قنبری ) 1992 ، ملودی و تنظیم به بچه هامون چی بگیم ( شعر اردلان سرفراز) و به تکرار غم نیما ( شعر شهریار دادور) از آلبوم بچه های ایران 1995 (1374) ، تنظیم آهنگ سهم من ( ترانه : اردلان سرفراز ) آلبوم نون و پنیر وسبزی 1990، تنظیم بالای نی (شعر شهیار قنبری ) از آلبوم سفره سین

ابی : تنظیم آهنگ دلبر (شعر اردلان سرفراز) 1988

منصور : ملودی و تنظیم خانگی( شعر شهیار قنبری )و فرفره های بی باد از آلبوم فرفره های بی باد 1994 ؛ ملودی و تنظیم آواره ( شعر مسعود امینی ) از آلبوم دریچه 1997،ملودی و تنظیم «دریچه» ( شعر اردلان سرفراز) از آلبوم دریچه1997، ملودی و تنظیم شاخه شکسته( شعر دکتر ایرج رزمجو) از آلبوم دریچه 1997، آهنگ و ملودی دوباره ها و تصویر آخر ( ترانه سرا شهیار قنبری ) از آلبوم تصویر آخر 1996 ، تنظیم قاب ( شعر همایون هوشیار نژاد ) آلبوم تصویر آخر 1996 ،

شهیار قنبری: تنظیم دلریخته ، تنظیم غسل تعمید .

نوش آفرین : ملودی و تنظیم اکسیژن و همیشه من دیر می رسم ، ترانه سرا شهیار قنبری از آلبوم اکسیژن 1995 ،

ناهید : تنظیم سکه دو رو ( شعر اردلان سرفراز) 1998 آلبوم هدیه.

معین : تنظیم هیچ کی مثل تو نبود آلبوم پنجره 1996 ، تنظیم میلاد ( شعر همایون هوشیارنژاد ) آلبوم تولد عشق 1994 ،

شهرام شب پره : تنظیم کتاب عشق ، چادری ( اشعار همایون هوشیار نژاد) از آلبوم شاگرد اول 1991 ( 1370) ،

فرزین: تنظیم عشق و دختراپسرا ( اشعار جهانبخش پازوکی ) از آلبوم عشق

مهرداد: تنظیم نازنین ( شعر همایون هوشیارنژاد ) از آلبوم آنتیک .

امید: تنظیم آهنگ چرا با من ( شعر همایون هوشیار نژاد ) از آلبوم پرسه های عاشقانه .

معین:تنظیم آهنگ به یاد ماندنی تولد عشق (میلاد) شعر همایون هوشیار نژاد آهنگ استاد حسن شماعی زاده
عبدی یمینی یادت همیشه در دلهایمان خواهد ماند و با آثار بی نظیرت همیشه خواهیم گریست

مایکل جکسن

metroyeshab — Fri, 26 Jun 2009 11:43:18 GMT

مایکل جوزف جکسن (زادهٔ ۲۹ اوت ۱۹۵۸، درگذشته ۲۵ ژوئن ۲۰۰۹) موسیقیدان، سرگرمی‌ساز و بازرگان آمریکایی بود. فرزند هفتم خانوادهٔ جکسن، او فعالیت حرفه‌ای خود را در عرصهٔ موسیقی از سن ۱۱ سالگی بعنوان یکی از اعضای گروه جکسن فایو آغاز نمود و در حالی که هنوز عضوی از گروه بود، در سال ۱۹۷۱ کار خود را به عنوان یک تک‌خوان شروع کرد. او را سلطان پاپ می‌نامند، پنج آلبوم از آلبوم‌های استودیویی او جزء پر فروش ترین آلبوم‌های جهان هستند: Off the Wall (جدا از بقیه)، Thriller (دلهره آور)، Bad (بد)، Dangerous (خطرناک)، HIStory (تاریخ).

در اوایل دهه هشتاد میلادی، او به عنوان برترین نماد موسیقی (پاپ)، و اولین سرگرمی ساز آمریکایی آفریقایی تبار شناخته شد که موج قدرتمند و ساختار شکنی عمیقی را بنیانگذاری نمود، آغاز این موج از شبکهٔ MTV بود. محبوبیت موزیک ویدئوهای او مثل، «Billie Jean» (بیلی جین)، "Beat It" (بزن به چاک) و "Thriller" (دلهره آور)، باعث تحول ساختار موزیک ویدئو به صورت یک فرم هنری و ابزار تبلیغاتی شد، و شبکهٔ تازه تاسیس MTV را به شهرت رساند. در دههٔ نود نیز ویدئوهایی مثل «Black or White» و «Scream»، آثار جکسن را به طور مداوم در لیست برنامه‌های اصلی MTV قرار داد. جکسن با اجراهای روی صحنه و موزیک ویدیوهایش، حرکات تکنیکی پیچیدهٔ رقص مثل روبات و مون واک را به محبوبیت رساند. شیوهٔ منحصر به فرد او در موسیقی و سبک آوازش، تعداد بیشماری از هنرمندان هیپ هاپ، پاپ و آر اند بی معاصر را تحت تاثیر قرار داده‌است.

او توسط بنیاد و تک آهنگ‌های خیریهٔ خود، و پشتیبانی ۳۹ جنبش خیرخواهانه، میلیون‌ها دلار برای اهداف خیریه وقف یا جمع آوری کرده‌است. با این وجود ابعاد دیگر زندگی شخصی او، همچون ظاهردر حال تغییر و رفتارش, سبب ایجاد جنجال‌های غرض ورزانه‌ای شد که به چهرهٔ مردمی او صدمه زد. او در سال ۱۹۹۳ متهم به سوء استفادهٔ جنسی از کودکان شد. اما پلیس تحقیقات جنایی را به دلیل عدم وجود شواهد کافی متوقف نمود و جکسن هرگز دستگیر نشد.(که این حرف شایعه ای بیش نبود.) پس از آن او دوبار ازدواج کرد، پدر سه فرزند شد و تمام این‌ها جنجال بیشتری ایجاد نمود. از اوایل دهه نود نگرانی‌هایی دربارهٔ وضعیت سلامتی او وجود دارد و از اواخر دهه نود اخبار ضد و نقیضی در بارهٔ وضعیت مالی این خواننده گزارش می‌شود. در سال ۲۰۰۵ جکسن بدلیل اتهامات بیشتری مربوط به سوء استفادهٔ جنسی و چند اتهام دیگر محاکمه و تبرئه شد.

او جزو تعداد معدودی از هنرمندان است که برای بار دوم به تالار مشاهیر راک اند رول راه یافته‌است. از دستاوردهای دیگر او می‌توان به ثبت رکوردهای بیشمار در لیست رکوردهای جهانی گینس، از جمله عنوان "موفق ترین سرگرمی ساز تمام دوران هاً, ۱۳ جایزهٔ گرمی, ۱۳ تک آهنگ شمارهٔ یک سولو__ بیشتر از هر هنرمند مرد دیگری از زمان پایه گذاری جدول صد اثر برترــــ و فروش بیش از ۷۵۰ میلیون واحد در سراسر جهان اشاره کرد. در صنعت موسیقی جایزه‌ای نمانده که جکسن به خانه نبرده باشد. همچنین او یک تاجر بسیار زیرک است, بسیاری او را یک نابغه در تجارت توصیف کرده‌اند و هیچ هنرمندی از نظر وسعت توانایی کنترل امور مالی و تجاری با او قابل مقایسه نیست. تقریبا چهار دهه‌است که کنکاش‌های بسیار موشکافانه در زندگی خصوصی جکسن همراه با دوران فعالیت درخشانش، او را جزئی از فرهنگ مردمی کرده‌است. او به عنوان یکی از مشهورترین مردان جهان شناخته می‌شد.

او در روز ۲۵ ژوئن۲۰۰۹ ، به ایست قلبی دچار شد و به کما فرو رفت . او به سرعت به بیمارستان انتقال یافت اما با وجود تلاش تیم پزشکی برای بازگرداندن تنفس او، درگذشت اما اعلام دقيق علت مرگ او نياز به بررسي بيشتر دارد و قرار است يك كالبدشكافي بروي جسد وي انجام گيرد.بنابر اين گزارش جكسون از مدتي قبل در منزل خود بيمار بود و وضعيت جسماني‌اش مطلوب نبوده است وازحضور يك پيراپزشك بهره مي‌برد.( روحش قرین رحمت پروردگار و یادش گرامی). (مزارت ستاره باران مایکل عزیز)

کوارتت زهی چیست؟

metroyeshab — Sun, 07 Jun 2009 14:14:01 GMT

کوارتت زهی به گروهی از نوازندگان میگویند که توسط چهار ساز به اجرا میپردازند و این سازهای معمولا دو ویولون، یک ویولا و یک ویلنسل می باشد. معمولا ویلن اول ملودی بالا را اجرا میکند و ویلن دوم نتهای پایین تر. همچنین این امکان وجود دارد که آهنگسازی برای چهار ساز زهی اما نه با ترکیب فوق مثلا سه ویولن و یک باس (و یا یک ویولا یا ویولنسل) قطعه بنویسد. کوارتت زهی یکی از متداولترین گروههای مجلسی در موسیقی کلاسیک میباشد و بسیاری از آهنگسازان از اواخر قرن 18 علاقه زیادی به نوشتن قطعات برای این آنسامبل موسیقی داشته اند.

آهنگسازی برای کوارتت زهی فارغ از فرم بندی های موجود میباشد اما بصورت سنتی و معمول قطعات ساخته شده دارای چهار موومان میباشند که میتوان با ساختار سمنفونی مقایسه نمود اما در ابعادی کوچکتر که موومان اول و چهارم با تمپوی بالا و موومان های دوم و سوم اغلب آرام میباشند و موومانهای رقص گونه نیز وجود دارند مانند:minuet،scherzo،furiant. هر چند در بسیاری از آثار آهنگسازان جدید مشاهده میکنیم که چندان به این نوع تقسیم بندی ها و چهارچوب ها اعتقادی ندارند.

بسیاری از گروههای مجلسی با نوعی تعدیل در سازهای میتوانند بصورت یک کوارتت زهی نیز فعالیت نمایند مانند کوئینتت (پنج نوازی) پیانو که کوارتت زهی میتواند به پیانو ملحق شود. string quintet (پنج نوازی زهی) نیز میتواند یک کوارتت زهی باشد با یک ویولا، ویولنسل اضافی و همچنین تریو زهی (سه نوازی زهی) که میتواند شامل یک ویولون، ویولا و یک ویولنسل باشد. پیانو کوارتت هم در اصل کوارتت زهی میباشد، پیانو بجای یکی از ویولون ها مینوازد.

اما از منظر تاریخی پیدایش این فرم را اولین بار باید در اواخر قرن 18 میلادی جست. اولین کارهای جوزف هایدن در این زمینه یک مشخصه خاصی داشت و این بود که قطعات وی برای کوارتت زهی دارای پنج موومان بود اما در آثاری از وی (opus 9) برای کوارتت زهی (در سالهای 1769 الی 1770) میبینیم فرمهای قطعات وی برای کوارتت زهی به استاندارد اصلی خود یعنی داشتن چهار موومان میرسند و این برای سایر آهنگسازان نیز صدق میکرد. چهار موومان: موومان اول سریع، موومان دوم آرام، موومان سوم minuet و آخرین موومان سریع. بخاطر فعالیت های وی برای فرمی که در حقیقت اصالتا به سوئیت های دوره باروک برمیگردد هایدن را پدر کوارتت زهی مینامند.

ساختار اصلی کوارتت زهی ازنظر فرم اینگونه است: * موومان اول Sonata Form، Allegro and in the tonic key * موومان دوم Slow، in the Subdominant Key * موومان سوم Minuet and Trio، in the Tonic Key * موومان چهارم Sonata-Rondo form، in the Tonic Key و به همین دلیل کوارتت زهی از اعتبار بالایی در میان آهنگسازان کلاسیک برخوردار است. در حقیقت برای آنان نمونه ای از یک ارکستر کوچکتر میباشد که نمایشی است از یک ارکستر واقعی و این محدودیت در ساز نیز موجب شد تا آهنگسازان توجه بیشتر و عمیق تری به قطعات ساخته شده برای این مجموعه داشته باشند. آهنگسازی برای کوارتت زهی در دوره کلاسیک رشد و نمود پیدا کرد، زمانی که بتهوون و موزارت یک سری از برترین آثار را در این زمینه ساختند. اما در قرن 19 توجه به کوارتت زهی اندک شد و شاید بشود عنوان کرد که آهنگسازان برای آن ارزش بالایی متصور نمیشدند.

اما کنجکاوی و تعجب از این است که اگر نگاهی به آثار آهنگسازان این دوره بیندازیم میبینیم در تمامی ساخته های آنان یک قطعه برای کوارتت زهی وجود دارد که شاید نگاهی ارزش گرا به این فرم داشتند. اما در در فضای مدرن تری از موسیقی کلاسیک (دوره معاصر) کوارتت زهی دوباره مورد توجه بسیاری از آهنگسازان قرار گرفت اشخاصی مانند:Arnold Schoenberg، Bela Bartok وDmitri Shostakovich.

در این میان آهنگسازانی بودند که عمده فعالیت خود را در زمینه این نوع موسیقی صرف نمودند اشخاصی مانند Elliot Carter و Henri Dutilleux و Peter Maxwell که تلاشهای آنان برای اشاعه این فرم قابل تقدیر میباشد.

پادشاه موسيقی بلوز B.B. King

metroyeshab — Sat, 23 May 2009 14:28:18 GMT

   سلطنت بی.بی.کینگ چون پادشاهی بی.بی.کینگ در بلوز طولانی تر از هر نوع پادشاهی بر روی زمین است . هم اکنون هم بی.بی .کینگ در سن ۸۴ سالگی همچنان شاداب تاج پادشاهی بلوز را بر سر نهاده است . زمان اثر آشکاری بر روی او نداشته بلکه فقط او را محبوب تر از همشه ساخته است .کارش نواختن موسیقی برای مردم ، یکدفعه ظاهر شدن در تلویزیونهای گوناگون تجاری و یا تنظیم کردن آهنگ ها برای آلبوم بعدیش
او در 16 دسامبر سال 1925 در یک کشتزار در می سی سی پی نزدیک ایندیانولا متولد شده است . او در جوانی در گوشه های خیابان برای سکه های 10 سنتی ساز میزد و بعضی اوقات در بیشتر از 4 شهر در یک روز ساز میزد
او در سال 1947 به ممفیس رفت تا کار موسیقی خود را دنبال کند . شهر ممفیس بسیاری از موسیقیدانان مهم را از جنوب جذب کرده و پشتیبانی میکرد و او هر موزیسین در هر سبکی از اهنگهای آمریکائی آفریقائی را میتوانست آنجا پیدا کند . بی.بی. کینگ همراه پسر عمویش بوکا وایت ماند که یکی از مشهورترین ایفا کنندگان سبک بلوز در زمان خودش بود. او تدریس میکرد و به بی.بی.کینگ در آموختن هنر سبک بلوز کمک میکرد
اولین تغییر بزرگ بی.بی.کینگ در سال 1948 رخ داد هنگامیکه او در برنامه رادیوئی                   Sonny Boy Williamson درKWEM بیرون از ممفیس غربی اجرا کرد که باعث ایجاد تهعد در او در خیابان 16 گریل در ممفیس غربی شد King's Spot خیلی محبوب شد و مبدل به برنامه Sepia Swing Club در رادیو شد چندی نگذشت که بی.بی کینگ نیاز به یک اسم رادیوئی به یادماندنی داشت آنچه شروع شده بود در سر زبانها به عنوان مثال Beale Street Blues Boy بود که مختصر شده بر حسب Blues Boy King و در آخر با احتساب اولین کلمات B.B.KING دراواسط سالهای 1950 هنگامیکه بی.بی.کینگ در حال اجرای موسیقی در یک مجلس در Arkanas , Twist بود تعدادی از طرفداران پرو پا قرص او سرکش شده و دو تن از آنها با هم درگیر شده و با واژگون ساختن بخاری تالار را آتش زدند و همانند دیگران برای امنیت بی.بی.کینگ هم از سالن بسرعت خارج گشت . سپس دریافت که گیتار الکتریک 30 دلاری مورد علاقه اش را در داخل تالار جا گذاشته است ، بنابراین به عجله بازگشت به ساختمان در حال سوختن برای آوردن گیتارش ، او به زحمت از مرگ رهائی یافت و بود تصمیم گرفت Lucille بعدها هنگامی که دریافت که زد و خورد بر سر یک زن به نام
که اسم آن زن را به گیتارش نسبت دهد تا از یادش نرود که هیچگاه یادش نرود کار احمقانه ای مثل زد و خورد بر سر یک زن انجام ندهد . از آن زمان تا کنون هر یک از های گیتارهای بی بی کینگ با مارک Gibson Guitars تبدیل به نام Lucille گردید هنوز چیزی از اولین کار موفقش Three O'clock نگذشته بود که او ملی شد ر 1956 او و گروهش ، موسیقی خیره کننده ای را در 342 یکشنبه اجرا کردند از نمایش های همراه Chttin همراه با کافه های کوچک شهرش ، کافه های ارزان قیمت Juke و تالارهای رقصهای محلی تا رقصهای سنگی ، تالارهای موسیقی سمفونی ، دانشگاهها
هتلهای تفریحی ، آمفی تئاترها و بطور سراسری و جهانی اجرا داشته و مشهورترین موسیقیدان بلوز 40 سال گذشته است در طول این سالها B.B.King یکی از مهیج ترین سبک های گیتار را در جهان گسترش داد . او این سبک را از T.Bone Walker , Blind Lemon Jefferson و دیگران گرفته بود که آنرا با تلفیق دقت خاص خود و مجموعه وکالها و دست چپش Vibrat هر دو جزء اجتناب ناپذیر واژگان گیتاریست موسیقی راک شدند در هر دفترچه حسابش یک مدل برای هزارها نوازنده بود Eric Clapton , Jeff Beak و George Harison و دیگران بی بی کینگ بلوز سنتی ، جاز ، جامپ pop swing , main streem را در یک صوت واحد ترکیب کرده بود و میگوید : وقتی آواز میخوانم در ذهنم مینوازم ، زمان مرا از خواندن باز ندارد ، من شروع به خواندن میکنم با نواختن لوسیا در سال 1968 در فستیوال Bill Graham's Fillmore West و Newport Folk در bills همراه با هنرمندان پر شور معاصر راک که بی بی کینگ را می پرستیدند و کمک bills
کردن به معرفی او به جوانان سفید پوست در " 69 " بی بی انتخاب شد توسط
رولینگ استون تا 18 کنسرت آمریکائی را برای آنان شروع کند بهمراه تینا ترنر B.B. King در سال 1984 به Blues Foundation hall of Fame و در سال 1987 جایزه NARAS' Lifetime Achievement Grammy را دریافت کرد و دکترای افتخاری از کالج Tangaloo را در سال 1973 ، دانشگاه یاله در سال 1977 کالج موسیقی در سال 1982 ، کالج Memphis از Rhodes در سال 1990 و دانشگاه Mississippi Valley را در سال 2002 دریافت نمود در سال 1991 بی بی کینگ کلوپ King's Blues را در Beale Street در ممفیس باز کرد   و در سال 1994 دومین کلوپ در دانشگاه City Walk در لوس آنجلس و سومین کلوپ در میدان تایمز شهر نیویورک در جون سال 2000 راه اندازی شد و اخیرا دو کلوپ در Fox Woods Casino در Connecticnt در ژانویه 2002 باز گردید در سال 1996 دیسک فشرده The Rood همراه
B.B.King زندگی نامه خودش را در یک نشریه ادبی پر سر و صدا منتشر کرد . همچنین در همان سال زندگی نامه او با نام  Blues all Around me
نوشته شد B.B.King ادامه داد به سفر به طور گسترده بطور متوسط بیش از 250 کنسرت در هر سال در قسمتهای مختلف جهان برگزار میکند و همچنان پرچمدار سبک بلوز برای گیتار است

واروژان

metroyeshab — Sun, 03 May 2009 21:04:18 GMT

«واروژ هاخباندیان» ملقب به «واروژان» در خانواده‌ای ارمنی متولد شد. در دو سالگی مادرش را از دست داد. بعد از اتمام تحصیلات مقدماتی، وارد مدرسه عالی موسیقی تهران شد و زیر نظر آموزگارانی چون: روبن، گریگوریان و لودویک وازل موسیقی را فرا گرفت. پس از پایان این دوره، با بورسیه‌ای که از رادیو و تلویزیون آن سال‌ها گرفت، راهی امریکا شد.

«واروژان» در آمریکا مشغول به تحصیل در رشته‌ی ارکستراسیون(تنظیم آهنگ) شد و در سال ۴۳ به ایران بازگشت. بورسیه‌ی رادیو و تلویزیون، تعهد خدمت در یکی از شهرهای جنوبی را برایش ارمغان داشت. بعد از گذراندن تعهدش، به تهران بازگشت. در سال‌های ابتدایی دهه‌ی پنجاه، ذائقه‌ی موسیقی روز ایران کم‌کم به سمت موسیقی پاپ تمایل پیدا کرد و «واروژان» فردی بی‌رقیب در این نوع موسیقی گردید. وی چه با ساخت ملودی و چه تنظیم آثار دیگران، صاحب شناسنامه‌ای پربار در این حیطه شد.

در سال ۱۳۴۷ برای اولین بار برای فیلم «جهنم سفید» به کارگردانی ساموئل خاچیکیان موسیقی نوشت. علاقه‌اش به حیطه موسیقی فیلم باعث شد که این کار را به صورت حرفه‌ای ادامه دهد. در ادامه این تجربیات در فیلم حسن کچل ساخته‌ی علی حاتمی (۱۳۵۰) که به عنوان اولین فیلم موزیکال سینمای ایران شناخته شده، همراه با بابک افشار، پرویز اتابکی و اسفندیار منفردزاده، موسیقی متن این اثر را خلق کرد. در این فیلم عهدیه، کوروس سرهنگ‌زاده، مهتاب، سوسن و افشین آواز خواندند.

«واروژان» برای اولین بار روی ترانه‌ی «بدرود» ایرج جنتی عطایی و صدای ویگن، ملودی ساخت و آن را تنظیم کرد.

او کار خود را با انجام تنظیم آهنگ‌هایی برای راديو آغاز کردو سپس برای ساخت آهنگ برای یکی از برنامه های تلويزيون «زنگوله‌ها» (کشف صداهای تازه در تلويزیون) انتخاب شد. اين آغاز کار واروژان در ترانه بود. يکی از اولين آثار او ترانه قصه دو ماهی از ترانه‌های شهیار قنبری با صدای گوگوش بود که اولين ترانه موسیقی نوين ايران لقب گرفت. اين همکاری ادامه پيدا کرد و روز به روز بر تعداد ترانه‌سرايان و آواز خوانانی که می خواستند با او همکاری کنند بیشتر می شد.

کارنامه هنری

فعالیت‌های درخشان او با گوگوش و شهیار قنبری معجزه آفرید. این همکاری منجر به ساخت ترا نه‌ی «حرف» گردید . ترانه‌ای که عنوان بهترین آهنگ‌ساز سال را در سال ۱۳۵۴ برای او به ارمغان آورد. در همان سال نیز جایزه‌ی پنجمین جشنواره ی سپاس را برای ساخت موسیقی فیلم کندو به گارگردانی (فریدون گله) از آن خود کرد.

در جشنواره ی موسیقی آتن در یونان برای ترانه دهکده ی کوچک من مدال و تقدیر نامه ای کسب کرد. این ترانه را شهیار قنبری سروده بود و ضیااجرا کرده بود. همچنین جایزه‌ی بهترین آهنگ‌ساز پنجمین دوره‌ی جشنواره‌ی سپاس را برای آهنگ سازی فیلم صبح روز چهارم (کامران شیردل) از آن خود کرد. اما در مراسم حضور پیدا نکرد چرا که از مصاحبه و عکس انداختن بیزار بود.

واروژان با تعدادی از آوازخوانان جوان دوران پيش از انقلاب کار کرد و شايد برای بعضی از آنان بهترين آثار دوران کاريشان را خلق کرد. او به خوبی جنس، توان ونوع صدای تمام کسانی که با آنان کار می‌کرد را می‌شناخت و بهترين و زيبا‌ترين و لطيف‌ترين آهنگ و تنظيمی را که ممکن بود برای آنها در نظر می گرفت. او همچنین سال‌ها رهبر گروه کر ارامنه تهران بود.

درگذشت

واروژان در شهريورماه سال ۱۳۵۶ ، در حال ضبط موسیقی فیلم «بر فراز آسمان‌ها»، سکته کرد و روز ۲۵ شهريور ماه ۱۳۵۶ بعد از ده روز بستری بودن در بيمارستان جم تهران در سن ۴۲ سالگی درگذشت و یک روز بعد در گورستان ارامنه خاوران به خاک سپرده شد و موسیقی ايران يکی از آهنگسازان توانای خود را از دست داد.

فیلم‌های سینمایی

۱۳۵۷ - بر فراز آسمان ها

۱۳۵۷ - کوسه جنوب

۱۳۵۶ - سلام تهران

۱۳۵۶ - در امتداد شب

۱۳۵۵ - نازنین

۱۳۵۵ - علف های هرز

۱۳۵۵ - شام آخر

۱۳۵۵ - حرفه ای

۱۳۵۵ - بت ()

۱۳۵۵ - ماه عسل

۱۳۵۴ - همسفر

۱۳۵۴ - کندو

۱۳۵۴ - ذبیح

۱۳۵۴ - شب غریبان

۱۳۵۴ - هیچی بابا نمیشه

۱۳۵۳ - ممل آمریکایی

۱۳۵۲ - خروس

۱۳۵۲ - شهر قصه

۱۳۵۲ - تنها و گل ها

۱۳۵۱ - قدیر

۱۳۵۱ - فدایی

۱۳۵۱ - صبح روز چهارم

۱۳۵۱ - سرگروهبان

۱۳۵۱ - دشنه

۱۳۵۰ - رشید

مجموعه تلویزیونی

۱۳۵۴ - سلطان صاحبقران

مشهورترین ترانه‌ها

بوی خوب گندم (داریوش)

هفته خاکستری (فرهاد)

حرف (گوگوش)

شام آخر (ستار)

پل (گوگوش)

برادر جان (داریوش)

کندو (ابی)

باور کن (گوگوش)

فصل تازه (گوگوش)

شب زده (ابی)

گهواره (گوگوش)

همسفر (گوگوش) نظرات شما عزیزان در مورد این موسیقدان بزرگ ایرانی برای بنده با ارزشه

موسیقی الکترونیک چیست؟

metroyeshab — Tue, 28 Apr 2009 11:01:18 GMT

در هر زمانی از عصر حاضر هر کار و برنامه ای با توجه به تکنولوزی و پیشرفت به نسبت زمان و اولویت فعالیت های آن به شدت هم سو با تکنولوژی بوده و پیشرفتها در همان زمینه و زمینه های مربوطه در همان حیطه دستخوش تغییر با تکنولوِژی بوده و این علم در همه جا به علت محدودیت ها و شناخت ها و هنجارها یکسان نبوده و میتوان گفت آیتم هایی مانند ارزش و سبک و سیاق ، اهمیت خاصی نسبت به برنامه و کار در جایجای این کره ی خاکی بوده و داشته است.

در این مقاله صرفاً راجع به موسیقی و اهمیت و ابزارهای شناختهای آن و شیوه های متداول پیاده سازی آن تا حدی بررسی میشود:

موسیقی الکترونیک و غیر الکترونیک موسیقی را شامل می شود که علم هارمونیک و واقعی موسیقی به کمک اشخاص مختلف دسته بندی و به نوعی ارائه میشود و آیتم های زیادی برای رسیدن به آن هدف ، تعیین کننده ی یک کار و نتیجه ای مثبت خواهد بود .

موسیقی با همه ی عوامل خود در حال پیشرفت هست و شدت این پیشرفت با بروز بودن سبکها و علم آن به حدی هست که میتواند پدیده هایی مانند سبکها پیدا شوند و سبکهای دیگر فراموش شود و اینجا برداشت مناسب از این مقاله این است که باید دید مطالعه و دید ما نسبت به موسیقی چیست و چه جایگاهی دارد. بدون شک این پدیده ها و پیشرفتها به نوع شکل گیری و شیوه ی پیاده سازی آن اثرات مثبت زیادی میگذارد. پس در کل میتوان گفت: نمیتوان از "پیشرفت" چشم پوشی کرد.

موسیقی و موسیقی الکترونیک چیست؟

خب اگر بخواهیم کمی تخصصی تر نگاه کنیم باید عوامل صدا رو بشناسیم و این عوامل صدا می تواند خیلی چیزها باشد.
برای نمونه در موسیقی هارمونیک و کنترل شده می توان انواع و اقسام سازها رو نام برد که تمامی اینها "عوامل صدا" هستند.
برای مثال شما وقتی در یک کنسرت و در سالن نشسته اید و در روی سن یا صحنه عوامل تولید صدا (سازها) که به کمک عاملان آن (نوازنده ها) به صدا در می آیند و آن عاملان صدا توسط رهبر ارکستر که رهبری و هدایت رو به عهده می گیرد کنترل می شود.
صداهای هارمونیک سازها از "قوانینی" که آهنگساز و تنظیم کننده ای که یک "قطعه" رو برای اجرا آماده می کنند طبعیت می کنند . برای مثال یک ویلن در ارکستر در یک قطعه میتواند در جا و گام مورد نظر خودش ملودی های زیادی را "بنوازه" که این می تواند ملودی های اصلی باشه یا اینکه ملودی های حجم دهنده یا تنظیم هایی بر پایه ی "قوانین" کنترپوان باشه.
حالا در نظر بگیریم از لحاظ آهنگسازی و تنظیم قطعه هیچ مشکلی نیست و همه چیز کاملاً خوب و کامل در نظر گرفته شده و نوازنده ها هماهنگ اند و سازها بدرستی با هم مچ شده اند.
در این سالن بزرگ عوامل دیگری هم هستند که نقش دارند و از "ظرافت و اهمیت" خاصی برخوردارند. "عوامل صدایی بر محیط" از اصول یک کار خوب هستند که می توان به یک مورد مثل آکوستیک بودن اشاره کرد. همیشه تا حرف از آکوستیک بودن و آکوستیک کردن به میون میاد این فکر در سر عده ای میاد که آکوستیک شاید عبارت است: از مکانی که صدا در آن جریان نداشته باشه و به نوعی صدا کاملا "مهار" شده باشه. مانند: یک اتاق که کاملاً با پوشش ها و عایق های مناسب ساند پروف شده و هیچ ریوربی در آن وجود نداشته باشه. ولی موضوع کمی با این متفاوت است و آکوستیک گونه بودن شیوه ی کنترل صدا نسبت به محدوده و "پیرامون" خود صداست بطوریکه شما صدا رو (نکته ی خیلی مهم) به طور "طبیعی" کنترل می کنید.
مبحث آکوستیک هم مبحث کاملاً پیچیده ای هست بطوریکه یکی از درسهای مهم یک دانشجوی رشته ی موسیقی هست و اهمیت خاصی در کار موفق داره و اینکه در این مبحث نمی گنجد.
برای مثال در همون کنسرت، همون ویلن، و نوازنده ی آن رو در نظر بگیرید و حساب کنید طنین و صدای این ویلن کنترل نشده باشد ، اگر جای مناسب نوازنده و سطح آن از زمین مشخص نباشد ، یا با سازهای دیگر در حیطه ی خود همخوانی نداشته باشد و تداخل صدا بوجود بیاورد نمی توان انتظار داشت که شنونده در آن "سالن" لذت کامل را از قطعه و کار برده باشد و اینکه اغلب برای یک شنونده چیزی لمس نمی شود ولی حس می شود و یک شنونده ی معمولی ممکن است صدایی که به گونه ای حرفه ای و با نظم در میان کار تنظیم شده رو بشنود ولی در هیجان و علتش بماند که چگونه اینگونه شد یا چگونه اینگونه کرد. این هم بحث مهم و برای مثال میشه مثال همیشگی را زد که: "صدا شنیده نمیشه ولی حس میشه.!!!"

"صدا و صدابرداری" هم در استدیو حساسیت های خاص خود در محیط ، همان اهمیت یک سالن کنسرت را دارد . مثلا ساز چگونه انتخاب ، رکورد ، سمپل و تنظیم و میکس شود که از مراحل مهم و لازم در یک سمپلینگ "حرفه ای" است!
صداهایی که رکورد و تنظیم و میکس می شوند اگر قصد سمپلینگ و رکورد ساز برای استفاده از صدای آن بصورت یک سمپل باشد لازمه ی اینکار شناخت تکنیک های اینکار در محیط مخصوص به خود با تجهیزات لازم است.
برای مثال شما می خواهید آهنگی را که قبلا نت نویسی کرده اید را اجرا کنید. شما دو راه دارید: اول اینکه آن را توسط نوازندگان اجرا کنید و دوم اینکه آن را توسط سمپلر ها و نرم افزار های موجود اجرا و پیاده سازی کنید. کاری که ما میکنیم همین است استفاده از نرم افزارها.
اگر در دنیای "سمپل ها و افکت ها" غرق شده باشید خودتان متوجه می شوید وقتی من می نویسم "استفاده از نرم افزار ها" بیانگر چه رویداد و نکته ای هستم و اهمیت این جمله چقدر و در چیست.
ممکن هست شما راه سومی هم برای خود انتخاب کنید که در حال حاضر پرکاربرد ترین راه ممکن است و آن اول استفاده از سمپل و در مراحل بعدی استفاده از نوازنده ها و نوازندگی یک قسمت اعظم کار توسط خودتان است. در اینجا هیچ چیز دارای محدودیت نیست و اگر باشد محدود به "ذهن" و رویای آهنگسازی و "علم موسیقی" شما دارد.
بعضاً پیش آمده دوستانی از من خواستند برایشان استفاده از سمپلرها را در یک استدیو خانگی با توجه به کیفیت آن شرح دهم و نرم افزار ها و سخت افزارهای موجود را هم به آنان بشناسانم و بعد از مدت کمی تشریح و تامل، فرد با لبخند گفته: "اگه اینها رو داشته باشیم حله دیگه...؟" یعنی چی؟ جدا یعنی چی؟ منم با تعجب اگر بخواهم با فرد شوخی کنم میگویم: "بلـــه با اینها همه چیز حله و شما بزرگترین موزیسین حال حاضر میشوید" و اگر نخواهم شوخی کنم با کمی تعصب به کارم آن فرد را همچین به راه راست هدایت می کنم که یادش نرود .
اغلب به علت ساده تر شدن و پیشرفته تر شده و در دسترس بودن موسیقی الکترونیک نسبت به ساخت یک موسیقی ارکستراتوار چنین فکر می کنند که آهنگسازی و علم فراوان و روز افزون آن هم به سادگی در یک نرم افزار یا سخت افزار رویایی در اختیار آنان قرار می گیرد. اگر کم تخصصی تر با این موضوع برخورد کنیم می بینیم که اطلاعات کم را ترویج کرده و "شناخت" و ارزش ها در اینجا بدون هیچ فکری زیر سوال می رود.
اگر بخواهیم مقایسه کنیم از نگاه من موسیقی الکترونیک یک علم است که شما باید در عین اینکه این علم را تا حدی برای دانش خود زیر و رو کرده باشید علم موسیقی را هم در نظر گرفته و آنرا جدی تر و بیشتر دنبال و رویش حساب کنید.
بیشتر افراد شاید ندانند موسیقی هارمونیک خود به تنهایی شامل درگاه ها و قوانین خاصی هست و باید برای مثال: تئوری ، سلفژ یا سلفا ، هارمونی ، کنترپوان ، فرم ، رنگ و ساز بندی را برای یک اطلاعات خوب و کار خوب موسیقی "خوب" بلد بود و من نمی گویم همه ی اینها باید "کامل" پشت سر گذاشته شوند تا یک فرد آهنگساز به حساب بیاید بلکه باید "حداقل شناختی" بر روی اینها داشته باشد و منکر این هم نمی شوم که بعضاً می بینیم کسانی کارهایی بدون پشت سر گذاشته شدن این مراحل می سازند ولی این را در نظر بگیریم کسی که می تواند اینکار را بدون "علم موسیقی" انجام دهد خود بطور "ذاتی" دارای حداقل این علم در خود هست و شعور بالا و گوش موسیقی قوی تری نسبت به افراد عادی دارد و این باعث موفقیت هر چه سطحی این فرد شده است.
گوش موسیقی هم دلالت بر علمی دارد که باعث لمس انواع پهنه های صدایی و تفکیک دقیق آن بدرستی توسط مغز و گوش دارد و فرد باید صداها، نت ها، تنالیه ها و گام ها را بشناسد و این در همه یکسان نیست.

برای تعریف، بی مقدمه در چند جمله از موسیقی الکترونیک میتوان گفت:

موسیقی ای که در عوامل صدای خود از سخت افزارها و نرم افزارهای دیجیتال و آنالوگ برای تنظیم و رسیدن به نقطه ی دلخواه یک قطعه صدای الکترونیک و یا صدایی غیر الکترونیک و آکوستیک در قالبی الکترونیک (سمپل) استفاده می کند و این صدا می تواند یک صدای آکوستیک سمپل شده باشد و یا میتواند صدایی غیر طبیعی و تولید شده با یک سینتی سایزر سخت افزاری یا نرم افزاری باشد.
برای تعریف هم گفته می شود عاملان و منابع صدا در اینجا سازهای الکترونیک و یا سمپل ها هستند که توسط قطعات از پیش در نظر گرفته شده، دقیق و هماهنگ و با طبعیت از "قوانین موسیقی"ی نوشته شده توسط آهنگساز رهبری می شوند.

سازهای الکترونیک

ساز الکترونیک سازی است که صدا ها را به روش الکترونیک ایجاد یا تقویت می کند و با آیتم های تغییری میتوان آنها را به گونه های مختلف شکل داد. اولین نمونه های این سازها به 1904 باز می گردد ولی از دهه ی 50 آنها جای خود را در موسیقی باز کردند و سرعتی چشمگیر داشتند و سازهایی مانند: پیانو دیجیتال ، کیبرد ، گیتار الکتریک و نیز سینتی سایزرها از این دسته سازها هستند.
برای مثال سینتی سایزر یکی از سازهایی است که در 1955 به طور "رسمی" اختراع و تولید شد و بسیاری از آهنگسازان از دهه ی 60 به این نوع سازها روی آوردند.
سینتی سایزر دستگاهی با اجزای الکترونیک است و می توان بوسیله ی آن صدا را ایجاد نمود و تبدیل و مهار کرد. سینتی سایزرها قادر به تولید صداهای موسیقیایی و غیر موسیقیایی هستند و مهار کامل رنگ ، زیر و بم ، شدت و کشش صداها را برای آهنگساز ممکن می کند و اغلب آنها با شستی های کلاویه ای قابل نواختن هست.
سینت سایزرها بدین علت که در زمان پیدایش و ابداع محدود و کم بوده اند داشتن آنها همراه با صرف هزینه های زیادی بود و سیستم آنها کاملاً الکترونیک نسبت به سینتی سایزرهای امروز نبود و قلب آنها تشکیل شده از لامپ هایی معروف به لامپ های خلاء بود.
در دهه ی 60 تا 70 تکنولوژی ای لازم بود که بتوان آنها را به تعداد و انواع مختلف تولید کرد که در این دو دهه سینتی سایزرهای کوچکتر و ارزانتر ترانزیستوری ساخته شدند و دیگر حتما لازم به ساخت سیستمی با لامپ ها نبود و هزینه کردن برای این سیستم ها بصرفه تر بود و همین نقطه ی عطف باعث تولید بالا و پیشرفت روز افزون اینگونه سازها بود.
برای مثال می توان سینت سایزر های موگ و باچلا نمونه های آن هستند و چنین سینتی سایزرهایی در مکان هایی مانند: کلوپ ها ، رستورانها و مکانهای تبلیغاتی به سرعت افزایش داشت.

کمی جلوتر

سنتز آنالوگ از قدیمی ترین و کاملترین سیستم ها تا دهه ی 80 بود و آمیزه ای از صداهای پیچیده را به کمک فیلتر های صوتی به همراه داشت و فرکانس های مختلفی را همراهی می کردند. برای نمونه می توان سنتز دیجیتال مودلاسیون اف ام (FM) را که توسط جان چاونینگ ابداع شد و امتیاز آنها را کمپانی یاماها خرید و این سیستم توسط این کمپانی همه گیر و گسترده شد و امروزه شاهد حضور کامل تر و باشکوه تر آن در سیستم های سخت افزاری و دنیای امولیتور ها هستیم.
جلوه سازها که، معکوس کننده ها ، پژواک سازها و نیز تفکیک کننده های استریو را شامل می شوند اغلب بخشی جدا نشدنی در این سینتی سایزرها و روند سنتز صوتی در آنها به شمار می آمدند و در آن زمان تکنولوژی بروز سیستم ها به کمک این آیتم ها مورد بررسی قرار می گرفت.

در کنار این تکنولوژی ها تمامی اقسام و سازها و همچنین "سیستمهای صدابرداری و رکوردینگ" هم روز به روز در حال پیشرفت بوده و روند سعودی خود را طی می کردند که بیان هر کدام از آنها در این مقاله نمی گنجد.

می توان به یکی از تکنولوژی های بسیار بسیار موثر به سیستم می دی (MIDI=> Musical Instrument Digital Interface) اشاره کرد که رابط اطلاعات وسایل الکترونیکی بوده و برای اتصال به سازهای الکترونیک و سکونسرها تحولی بزرگ بود و مکانیسم تازه و قابل ملاحظه ای را در سیستمهای الکترونیک بوجود آمد که اولین بار توسط کمپانی رولند ساخته و ابداع شد.
شرکتهای دیگر هم نمونه ای از همین سیستم را دارا بودند ولی این سیستم ها همخوانی نداشته و استاندارد و یکسان و جهانی نبودند و برای مثال کسی که از سیستم می دی کمپانی یاماها استفاده می کرد باید از سکونسرهای همان کمپانی استفاده می کرد که خود محدودیت خاصی در انتخاب و کار بود و این تکنولوژی توسط کمپانی رولند در 1975 و دهه ی 80 استاندارد و همه گیر شد.

امروزه و در همین حال حاضر سیستم های پیشرفته تر شده همان سال های قبل استفاده می شود ولی این تکنولوژی بقدری پیشرفت کرده که با هم تا حدی وجه تمایز را بوجود آورده است و در گونه های خاص منجمله کنسول ها و امولیتور های نرم افزاری ارائه و استفاده می شوند.

در سازها هم به همین ترتیب سیستم های جدید شکل گرفته شده و روز به روز شامل ابداع نوع و سبک جدیدی از سازها هستیم و معرفی و استفاده از آن همانند قبل احتیاج به گذر زمان و باز هم پیشرفت روز افزون دارد و این را باید مد نظر داشته باشیم که نمی توان گفت پیشرفت تکنولوژی محدود است و شکل پذیری دیگر به چشم نمی آید.

حالا که با کمی دقت و تامل نگاه می کنیم می بینیم این تکنولوژی و سیستم ها بوده اند تا این حد پیشرفت کرده اند و این هم در نظر باید داشت که تکنیک ها و کاربرد های این سیستم ها هم علم و آگاهی مخصوص به خود را می خواهد و با کمک آنها می توان فکتورهای موسیقی را بطور ایده آل پیاده سازی و اجــرا کرد.

حال برای فراگیری هم باید از منابع و راه های "درست" ، "کامل" و "مناسب" استفاده کرد و از رفتن به راههای غیر اصولی برای یادگیری و فراگیری موسیقی الکترونیک جلوگیری کرد و سعی نشود که برای کوتاه کردن مسیر راه های سخت را در مدت زمان کم طی کرد و اجازه بدهیم به کمک زمان ، تجربه و خلاقیت های خاص در این حیطه به سراغ ما بیایند و این مهم است که ما هم در پی فراگیری باشیم و در حرکت.

افکتها ، جنراتورها ، وی اس تی ها و در کل انواع پلاگین ها انواع مختلف دارند و کارایی نامحدود و شاید بعضی از نرم افزار ها و سخت افزار ها محدودیت خود را نسبت به قدرت بالای خود و بی نیاز نمودن کاربران از انواع گوناگون دیگر آیتم ها در خود را دارا باشند و این شما هستید که با توجه به نیازتان انتخاب می کنید ولی موسیقی را هیچ وقت اینگونه در نظر نگیریم که به سادگی ابزارها می توان از خود موسیقی، حتی مقداری از آن صرف نظر کرد و بدانیم هر صدا و آهنگی نمی تواند یک موسیقی "به طور اختصاصی باشد" همیشه ارزش های تعیین کننده را در نظر بگیریم.